[原创]

郝晓晶

沃尔夫刚. 阿玛德乌斯.莫扎特。奥地利作曲家。我个人对于他的作品是比较敬畏的。巴赫和帕格尼尼的作品只是感觉比较难，不会象莫扎特那样主动的严肃。莫扎特的东西特别真，拉他的作品需要完美的发音，毫无瑕疵的技巧，以及高尚的情操和纯净的心灵，才能把他音乐中最深邃的灵魂表现出来，这是很困难的一件事。尽管他的东西从纯技巧来说，并不是很难。因为他的小提琴作品大多是写给他自己演奏的，由此可以看出，莫扎特的小提琴水平实在是不怎么样。众所周知，要真正理解莫扎特，必须去听他的歌剧，包括《唐.璜》，《后宫诱逃》，《 唐.乔万尼》，《女人心》，《魔笛》等，也包括他具有个人风格的和声手法，比如他的莫扎特五度，以属功能组的主功能的各级和弦为主的各种音响效果，还有他的音乐中透露出的纯洁、高尚、透明，都是他独有的风格。可惜太短命，他的人生只有短短三十五个春秋就完了。可是他留下的那么多作品使后人永远不会忘记他，他的音乐是人类最好的心灵鸡汤，任何时候都是最具魅力的音乐，爱因斯坦曾经说过，“.......死亡，噢，那就意味着，再也听不到莫扎特的音乐了”。他不同与巴赫，巴赫是永远的复调大师，他的东西特别真，他的作品要求每一个音符都非常完美，无论音准、音色、音质。巴赫与帕格尼尼都不是真的难，唯独莫扎特，心存畏惧，不敢轻易染指。他不仅真，而且真的有深度。这对于现代人浮躁的个性来说，是很难把握的。K218、K219、K136、K138，都是经典中的经典。从纯技巧来说，不难，真的不难，甚至有些简单。他能够用特别简单的东西，表达自己最深的感情。巴赫和亨德尔会使用教会调式，莫扎特不会。莫扎特的音乐从每一个音符之中透着一种亲切，这是其他作曲家所没有的。

莫扎特与1775年，大约19岁是，相继写了5首小提琴协奏曲，仔细分析这些协奏曲，从第一首到第五手，在创作构思和写作技巧上都有明显的进步。每一首协奏曲，至少在一个乐章里的主题是用分解的三和弦的形式写的。这个事实说明他在这个时期，完全遵从他日益成熟的天才和灵感自由的进行创作。这也证明创作中构成一个主题虽然重要，而加工完成一部作品更为重要。从对待莫扎特的态度，可以看出一个音乐家的修养如何。不到相当的年纪就无法理解莫扎特，这是众所周知的事实。青年人觉得莫扎特单纯、单调冗长，只有经历了暴风雨洗礼的人，才能理解他那纯洁崇高的意图和其中包含着的深邃的灵感。这种灵感就像贝多芬的作品那样，没有个人们一种苦思冥想才写出来的印象。这些声音，听起来就如同上帝给作曲家内心意愿的报答一样。演奏者要想正确揭示莫扎特的特征，首先要表现出自然的的感情和奏出优美的音色。在歌剧院和演奏会上演奏莫扎特的作品越来越少，原因首先是他那纯洁透明的艺术，自然成熟的作品，不容许过分的夸张和矫揉做作，因为他同我们这种感情外露的时代精神恰好相反，我们的耳朵对莫扎特的D大调的纯净的三和弦比起欣德米特的经过音以及六度或七度音程的要求更高。这是显而易见的。莫扎特的作品要求很高，除非你把他的作品中所有的音符，完美、准确、清晰无误的演奏出来，否则听众是不会感到满意的。揭示某个作品的性格，需要具备的条件是对作品的作者以及对作者所处的时代特征的知识和理解。首先要对十八世纪的一般社会状态、文化艺术状况以及莫扎特的特殊生活条件，这样，我们才能在演奏中同他的个性取得和谐一致，我们才能在演奏中把他的精神实质表现出来。不仅是他的作品，还有 他的书信和谈话也都反映出他的个性所具有的魅力。他那表现简洁而自然的手法，渴求优美旋律的欲望，自然而然地回唤醒我们的心扉。它是一个时代的顶峰和结晶，决不允许粗糙杂乱的声音玷污了他那明澈清晰的精神实质。凡是沉浸在美之中，一定是自然的、明洁的、是上帝赐予的。

演奏莫扎特的作品，不允许有一个潦草的音符，不允许有不完美的发音，有任何一丁点儿的杂音。而发音恰恰是小提琴永恒的课题，一如音准一样。他纯洁，没有经历过大风大浪的人无法理解他那种纯真的深度。他对音乐的形式感和对称感几乎是与生俱来的，而且与他那半是来自学习、半是来自直觉的万无一失的写作技艺紧密结合在一起。他的音乐是超国界的，融意大利、法国、奥地利和德国的因素于一炉，他改变了交响曲、钢琴协奏曲、弦乐四重奏、奏鸣曲以及其他许多音乐体裁的发展方向，不是借助革命的考虑，而是通过他所写音乐的自然优势，他的音乐中唯一缺少的因素也许就是对大自然的崇拜，这一点，贝多芬作了很好的补充。莫扎特的音乐表面上明朗欢乐，但骨子里却有一股阴暗忧郁的情绪，因而他的作品总是体现一种矛盾心里，引人入胜，发人深省，莫扎特就是音乐，就是西方音乐三百年的灵魂所在。

小提琴爱好者

莫扎特小提琴、中提琴二重奏协奏曲是稀有的经典之做，百听不厌。